Aujourd’hui, je retourne aux tableaux avec le magnifique tableau de Gustav Klimt, Le baiser.

Le tableau

Gustav Klimt était un peintre symboliste autrichien et un des peintres les plus importants de la sécession de Vienne. Il a peint principalement des portraits, mais son oeuvre va également inclure d’autres figures, notamment des paysages. Il a été très inspiré par l’art japonais et ses méthodes.

Un de ses tableaux les plus connus date de son cycle d’or, nommé ainsi à cause de son utilisation de feuilles d’or, mais également grâce à son succès.

Le baiser est une huile sur toile datant de 1907 qui marque la séparation du peintre avec la sécession viennoise.

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J’ai choisi ce tableau, car je trouve qu’il dégage une poésie et une intimité très forte, et que c’est la représentation des tissus qui rend l’ensemble vivant.

Les détails

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Le tableau est la représentation de deux amants qui s’embrassent, serrés dans une étreinte. Le tableau met l’accent sur les deux visages, collés l’un contre l’autre, avec l’homme penché sur la femme. La courbe du dos de cet homme insiste sur le côté intimité et, entourée par le doré en haut, matérialise une couverture autour d’eux, crée une sorte de cocon qui va renforcer le côté intimité de la scène. C’est également le cas à travers le contraste créé avec le fond, qui est beaucoup plus sobre, bien que chargé de motifs, et plus sombre pour mettre l’accent sur le centre du tableau.

La “prise de vue” du tableau laisse penser que le couple est allongé et que nous les voyons du dessus, même si le parterre laissera au contraire penser qu’ils sont debout. Le côté intime de la scène et la couverture qui les entoure peuvent laisser effectivement imaginer qu’ils sont dans un lit.

 

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Si l’on s’approche un peu, la femme est entourée de fleurs, qui vont jusque dans ses cheveux. Cela laisse l’impression que la doublure de cette couverture a un motif floral, mais d’une manière plus imagée, que la femme se sent épanouie, dans un monde doux de couleurs et de fleurs.

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Si l’on continue la descente, nous pouvons voir que les motifs des deux amants sont très différents. D’un côté l’homme est vêtu de motifs carrés, noirs et blancs, qui soulignent sont côté grand et imposant ainsi qu’un côté masculin, ferme. Tandis que de l’autre côté la femme porte des motifs floraux ou ronds colorés, alternés avec des carrés creux et beaucoup plus discrets que ceux de l’homme. Je pense que les carrés sont là pour montrer leur unité, le fait qu’elle se laisse emporter par le moment, tandis que les fleurs soulignent sa joie et les ronds ses formes, et sa féminité (qui n’est autrement pas visible compte tenu de l’entremêlage des amants.

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Pour terminer, regardons quelques instants le sol qui est un mélange de fleurs multicolores et de feuilles ou lianes peintes en or. Ce support définit pour moi un contexte printanier, fleurit et soutient l’action du couple, comme d’un amour naissant. Les lianes dorées semblent venir de la femme, comme si son bonheur ne pouvait plus être contenu dans cette étreinte du couple, et qu’elle la laissait transparaître ainsi.

 

Pour terminer, j’aime beaucoup cet entremâlage de couleurs et d’or, de tissus et de corps qui créent un ensemble à la fois riche et sobre, et surtout intime pour inclure le spectateur dans un moment visiblement privilégié. J’aime également la capacité du peintre à créer des motifs riches et précis et quelques traits.

Allez voir le tableau à la Galerie Autrichienne du Belvédère

Pour aller plus loin :

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