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Dentelle & Pellicule

Un blog sur tout ce qui a trait au costume

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Beauty and The Beast – Ariana Grande et John Legend

Aujourd’hui, j’ai eu envie de retourner dans les clips musicaux, avec la nouvelle version de Beauty and the Beast par Ariana Grande et John Legend, enregistrée pour la promotion du film de Bill Condon.

Pourquoi ce clip ?

Vous le savez si vous lisez ce blog, la Belle et la Bête a toujours été mon dessin animé Disney préféré. Lorsque le film en live action est sorti, il était donc impensable que je ne le voie pas. Mais évidemment, je ne me suis pas arrêtée là puisque plusieurs mois avant sa sortie je regardais toutes les bandes-annonces, les articles sur le film et les publications destinées à sa promotion.

C’est donc dans cet état d’esprit que j’ai vu le nouveau clip Beauty and The Beast, réenregistré pour l’occasion par John Legend et Ariana Grande et réalisé par Dave Meyers.

Je ne regarde pas (ou plus) énormément de clips vidéos d’une manière générale, mais les clips des chansons Disney sont souvent suffisamment mis en avant que l’on puisse les avoir vus sans les chercher spécialement. Et d’une manière générale, ils se ressemblent tous :

  • un chanteur connu (plus ou moins) qui prête sa voix à la chanson, parfois deux
  • un décor qui a des points communs avec l’univers du film ou du dessin animé
  • des extraits du film ou du dessin animé

Somme toute une mise en place assez simple, sans trop de fioritures qui vont finalement être amenées par les images du film en lui-même. C’est le cas pour l’ancienne version de Beauty and the Beast (du dessin animé), mais également pour le clip de Vaiana, de la Reine des Neiges ou encore de la Princesse et la Grenouille, et même celui du film Cendrillon.

Mais ici le clip m’a agréablement surpris. En effet, une véritable mise en scène et réflexion sur les symboles du film a été mise en place dans ce clip, le considérant non pas simplement comme un parallèle, mais comme une “oeuvre” courte à part entière. Et cela qui fait pour moi la richesse de ce clip.

En revanche, si je trouve que le fait qu’il y ait un travail artistique plus poussé sur la réalisation du clip, j’ai également été déçue par d’autres points de cette même réalisation.

 

Les costumes et autres …

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Disney Villains Medley – Whitney Avalon & Peter Hollens

Il y a quelques jours, Peter Hollens, un artiste YouTube, a sorti un duo avec Whitney Avalon qui reprend les chansons de méchants Disney.

Pourquoi ce clip ?

J’ai découvert Peter Hollens il y a presque deux ans maintenant en cherchant des artistes accapella sur internet. Il a une très belle voix et un talent exceptionnel pour créer des arrangements de voix qui simulent des instruments. Il fait de nombreux duos avec des artistes qui font de la musique, accapella ou non, et son dernier duo en date est donc ce medley de chansons Disney. Évidemment, la combinaison d’un de mes artistes favoris avec du Disney ne pouvait que me donner envie de regarder la vidéo.

Et si bien sûr j’ai d’abord été séduite par les arrangements musicaux, j’ai décidé d’en parler aujourd’hui, car je trouve qu’il y a un véritable effort de la part des deux artistes de créer une scénographie qui nous plonge immédiatement dans l’univers.

Les costumes et autres …

Le clip commence par un exposition de tous les personnages présents dans un cadre à huit fenêtres, avec le titre au centre. Au fur et à mesure du clip, les ambiances vont changer, comme pour le passage avec mère Gothel, la maman adoptive de Raiponce. C’est alors une scénographie globale qui est conçue ici où les personnages sont en accord, créant une ambiance.

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Cette disposition en ensemble, où tous les personnages sont visibles, donne envie de deviner quels seront les vilains représentés ici. Certains sont évidents, comme Gaston, ou Facilier, mais d’autres m’apparaissaient plus obscurs au début. Et cela pour une simple et bonne raison : les costumes ne sont pas des répliques officielles, ou des cosplays des personnages des dessins animés, mais plutôt des adaptations en vêtements des personnages. Certains ont donc été interprétés avec plus de libertés que les autres.

Mais reprenons au début, avec les personnages un à un.

Tout d’abord, la vidéo s’ouvre avec Ursula, la sorcière des mères. Bien que le costume ne soit pas parfaitement ressemblant, le personnage est assez reconnaissable. Principalement, deux indices suffisent : une robe bustier noire, assez caractéristique du personnage, bien que beaucoup moins échancré ici, et la présence de la couleur violet qui elle aussi caractérise le personnage. Pour les détails supplémentaires :

  • les gants permettent de mettre en valeur les mains, puisqu’il n’est évidemment ici pas question de tentacules et attirent donc l’attention sur le “langage du corps” comme l’appelle si bien la sorcière.
  • et la définition d’un bassin qui s’élargit, bien que la chanteuse n’ait évidemment pas la corpulence de la sorcière.
  • les lèvres rouge vif, qui font donc ressortir le côté très féminin. On se rappellera évidemment qu’Ursula mer du rouge à lèvres des mers à l’arrivée de la petite sirène dans son antre.

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Puis nous passons au personnage suivant, Scar.

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Ici, par étonnant que le personnage soit un peu plus dur à reconnaître, puisque l’original est un animal.

Néanmoins, je dois reconnaître que le “costume” est ici assez réussi :

  • une cicatrice sur l’oeil, pour le trait physique qui a donné son nom au personnage, bien qu’ici elle soit à mon goût trop discrète,
  • de la fourrure foncée autour du cou, qui représente ici la crinière
  • une griffe en collier, pour le côté africain, mais également pour représenter les griffes du lion
  • des vêtements couleur terre, qui sont des couleurs du personnage original

Pour cette chanson, Ursula rejoint Scar dans son décor, ce qui est amusant considérant que ce sont ici les deux méchants non humains du tableau.

Puis vient le tour de Claude Frollo, le prêtre du bossu de Notre-Dame. La tenue ici est plus libre, les détails moins respectés, car le tout est misé sur la silhouette du personnage.

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Les chanteurs ont visiblement choisi de rester sur du vêtement de tous les jours, et d’éviter la tenue de prêtre avec le col romain, qui aurait été plus fidèle, mais moins ordinaire. Peter Hollens porte donc un costume noir, qui ressort sur le rouge du fond, avec une chemise blanche. Et c’est finalement surtout les manches blanches qui vont ici faire ressortir ses mains, ses gestes et par la suite le foulard qu’il tient.

De la même manière, le chapeau n’est pas très adapté au personnage, néanmoins il permet d’assombrir le visage du prêtre. Notons au passage que le chapeau est retiré dans le courant de la chanson, comme la démarche que les hommes ont en rentrant dans une église, et qu’il sera volé par son voisin.

Pour finir, la cravate violette, sous une croix imposante, semble représenter la passion cachée pour Esmeralda, ce qui se vérifie lorsqu’il sort le foulard violet. Le violet est également une couleur de deuil dans la religion catholique. Le foulard est léger et ressort clairement sur l’aspect très rigide du personnage. Il est également plus clair que la cravate, qui semble s’assombrir.

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Puis nous changeons de contexte avec l’apparition de deux personnages : Gaston et LeFou. C’est le milieu du medley est le mélange de ces deux personnages donne ici un équilibre à la vidéo.

LeFou n’est pas à proprement parler un méchant, mais il est l’acolyte de Gaston et complote finalement avec lui.

C’est la seule scène qui ne se passe pas en intérieur, et ici le tournage est plus vivant, avec plus de mouvement dans un charmant petit village.

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Dans cette chanson, il sert avant tout de faire valoir. Ici, la tenue a été féminisée, mais est restée assez fidèle :

  • la chemise blanche, j’aime le détail que la chemise soit mal rangée dans le pantalon
  • le gilet rouge bien que beaucoup plus court, il semble ici un peu petit, comme dans le dessin animé
  • la veste marron, bien qu’ici il ne s’agisse pas d’une queue de pie
  • le pantalon a été transformé en jupe, mais la couleur est assez juste
  • et la cravate autour du cou

Quant à Gaston, il est ici plus simple : un pantalon noir, une ceinture (en cuir bien sûr) marron, et un polo rouge et jaune. Bien que la tenue ne soit pas parfaitement fidèle, il est pour autant immédiatement reconnaissable. Ici, j’aime l’ajout du jaune sur le col, qui est une adaptation des gallons de la veste originale.

Il est amusant en revanche de remarquer que le côté sophistiqué des personnages est inversé ici par rapport au dessin animé : et Gaston ressort ici comme plus brouillon que son acolyte.

Puis vient le tour de mère Gothel. Après le monde extérieur de Gaston, l’obscurité de cette nouvelle scène est quelque peu étouffante.

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La mise en scène reprend l’idée du dessin animé d’utiliser les bougies pour créer une ambiance effrayante.

Ici aussi, le costume est assez transformé, mais l’idée principale du personnage est présente.

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La couleur de mère Gothel est le rouge bordeaux, comme la robe ici. Se cheveux sont lâchés, bien que normalement plus frisés, et il a été ici ajouté un collier assez imposant. Si je ne pense pas qu’un motif de feuilles soit le choix idéal, je dois reconnaître que le côté représente bien la vanité du personnage.

La robe est assez montante, comme l’original.

Nous continuons ensuite en passant au personnage suivant, le docteur Facilier.

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C’est également un des personnages les plus reconnaissables ici, alors que le costume a été grandement modifié : le chapeau haut de forme s’est transformé en un chapeau plus moderne, la queue de pie violette est devenue une veste rouge, non doublée de noir et le t-shirt a clairement grandit, pour couvrir beaucoup plus de peau. Néanmoins, il y a un ressenti global du personnage qui reste visible :

  • le mélange des couleurs est réussit, le rouge et violet, bien que moins vif que l’original, restent fidèles à l’extravagance du personnage
  • le collier avec la dent unique rappelle le collier vaudou du docteur
  • le pantalon semble commencer par une ceinture rouge, bien que nous n’en voyions ici pas plus
  • et le chapeau, rouge et noir, porte une tête de mort, certes plus discrète, mais très représentative.

Je regrette simplement pour ma part le manque d’une belle plume violette au chapeau, qui aurait ajouté une touche supplémentaire de précision ici.

Pour terminer, le dernier personnage est donc Jafar. C’est pour moins le personnage le moins bien représenté ici, et c’est également le plus transformé.

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Pour moi, seules les couleurs du costume sont respectées ici, avec le mélangé tranché du rouge et du noir. On peut noter la présence d’une ceinture à la taille, qui aurait pu être rouge, ainsi que d’un foulard autour du cou, destiné visiblement créer le col en V du costume original, mais la couleur n’étant pas juste, l’identification est plus complexe. Pour ma part, je ne comprends pas la présence du collier en cercle autour de son cou.

En revanche, j’apprécie le détail de la broche en forme d’oiseau pour rappeler Iago.

Comme pour d’autres personnages avant, Jafar est rejoint par Facilier pour former un duo sur cette fin de vidéo. On notera ici que ce sont deux des personnages qui utilisent des objets magiques pour agir sur d’autres personnages.

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Pour conclure, bien que certains costumes auraient pu aller plus loin, je trouve que les deux chanteurs ont fait un très beau travail au niveau des tenues des personnages pour rendre reconnaissable et en même temps moderniser les méchants Disney.

Regardez le clip ici

Pour aller plus loin

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La parole est à vous :

  • Connaissiez-vous ces artistes ?
  • Aviez-vous vu cette vidéo ?
  • Que pensez-vous des “costumes” de cette vidéo ?
  • Avez-vous d’autres liens à donner concernant cet article ?
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Harder Better Faster Stronger – Daft Punk

Aujourd’hui, je vous emmène dans l’espace avec le clip animé de Daft Punk, Harder Better Faster Stronger, de la série Interstella 5555.

Pourquoi ce clip ?

Ce morceau de Daft Punk me rappelle mes années de lycée. Si je ne suis pas forcément fan de musique électronique d’une manière générale, j’avais immédiatement accroché à cette “chanson” du groupe.

Le clip, créatif et bien réalisé avait fini de me convaincre et je connaissais à l’époque la chanson par coeur. Bien sûr, à l’époque, je ne comprenais pas les paroles ou tellement peu …

Quelques années plus tard, j’ai découvert que Daft Punk n’était pas un groupe de quatre personnes sur scènes, comme dans les clips de cet album, mais je m’en suis remis depuis et j’ai pu voir l’intégralité des vidéos d’Interstella 5555.

Pour moi, la musique doit raconter une histoire et si ici les paroles racontent quelque chose, l’ensemble de l’album a été illustré de manière à raconter autre chose. L’histoire de ces stars interstellaires, kidnappées par un homme pour les faire devenir des stars sur scène est particulièrement créative et amusante. Je conseille donc la vidéo intégrale, mais pour ma part, je me concentrerai uniquement sur ce clip aujourd’hui.

 

Les costumes et accessoires

Le clip se situe au milieu de l’histoire d’Interstella et consiste en l’étape de transformation des personnages d’extraterrestres à humains. Bien que ce ne soit pas le passage avec le plus de costumes, je trouve que cette transformation est particulièrement intéressante.

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La première étape du clip consiste ici à retirer les costumes aux personnages. Notons qu’au début et dans les clips précédents, ils sont tous similaires : la même couleur de peau, des costumes différents, mais basés sur les mêmes couleurs et motifs, et les mêmes diadèmes sur la tête. Le groupe est uni par leur aspect extérieur. Seuls leurs cheveux sont différents, ainsi que leurs silhouettes.

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Une fois les costumes retirés, nous retrouvons le groupe très pudiquement en sous-vêtements (oui c’est un clip tout public tout de même) et prêts à être transformés.

La première étape de la transformation est leurs esprits. Ils s’agit de transformer leurs souvenirs pour qu’ils ne s’aperçoivent pas du changement. Ici, on est complètement dans la science-fiction est c’est très intéressant. Nous pouvons d’ailleurs voir que les souvenirs ne sont que transformés et non pas effacés ou recréés. Nous notons déjà au passage que les scènes, qui montrent des enfants changent totalement de couleurs. Bien entendu les personnages ne sont plus bleus, mais également les vêtements qu’ils portent ne sont plus tous de la même couleur, comme si la transformation en humains ajoutait de la diversité.

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C’est également le cas directement au sein du groupe, où un des personnages devient de couleur noire, alors qu’ils étaient avant parfaitement de la même couleur.

Une fois leurs corps “repeints”, il s’agit à présent d’habiller les stars. Ici, la recherche de vêtements est assez amusante, car au fur et à mesure que l’on voir les silhouettes défiler avec différents types de vêtements, il est possible de s’apercevoir que les tenues sont assez typiques de groupes de musique. Nous avons les rappeurs, les rocks stars, les tenues plus “kawaï” et dans tous les cas, les tenues sont clichées. Je pense que le but était ici de montrer subtilement que le “producteur” cherche le succès et se base sur l’existant pour réussir.

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Passons un rapide coup d’oeil sur la machine à habiller, qui est d’une efficacité redoutable. Ici, la scène montre le côté pantin du groupe qui n’est donc pas responsable de ses actions à ce moment-là. Les personnages sont habillés comme on appliquerait de la peinture à une poupée. C’est un clin d’oeil sur le côté manufacturé du groupe par le fameux producteur.

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Bien évidemment nous pouvons voir le résultat des styles des différents personnages. Notons que les musiciens sont très diversifiés ici autant donc par leurs couleurs de peau que par leurs styles de tenues. C’est flagrant ci sur cette image où l’un fait très sportif tandis que l’autre a un côté plus élégant et habillé.

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La dernière étape est l’ajout de lunette qui ont ici le but de contrôler leurs esprits, mais qui sont à mon avis également un clin d’oeil au côté très “star” de quelqu’un qui porte des lunettes. Le fait de ne pas voir les yeux de quelqu’un crée de la distance. Ici, cela les rend en quelque sorte inaccessibles.

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Nous assistons ensuite à la phase finale de la transformation, qui consiste à modifier leur clip vidéo pour pouvoir vendre les stars d’un point de vue commercial. Ici encore, nous pouvons noter la diversité créée au moment de la transformation qui retire l’unité initiale des personnages.

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Pour finir, nous découvrons le “méchant” de cette histoire très brièvement. Il est visiblement âgé, et vêtu de noir, en costume. Sa position et son apparition le définissent clairement comme un personnage “méchant”.

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Regardez le clip ici

Complétez votre médiathèque :

La parole est à vous :

  • Connaissiez-vous ce groupe et ce clip ?
  • Pensez-vous que l’on peut considérer Interstella 5555 comme un film à part entière ?
  • Que pensez-vous des costumes et accessoires de cette vidéo ?
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Run Boy Run – Woodkid

Aujourd’hui, j’avais envie de découvrir avec vous un clip du chanteur Woodkid (aka Yoann Lemoine), Run Boy Run.

Pourquoi ce clip ?

J’aime beaucoup me laisser emporter par les suggestions YouTube pour découvrir de nouvelles choses, de nouveaux artistes et des vidéos que je n’aurais pas été chercher de moi-même. C’est de cette manière que je suis tombée sur cette vidéo, et cet artiste.

Ce qui m’a immédiatement plu ici est évidemment l’aspect visuel du clip, travaillé en noir et blanc, principalement de profil, avec des costumes et des décors qui appellent à l’imagination.

Le texte de la chanson semble également en accord avec les images et soutiens le discours du clip.

Je trouve que l’ensemble du clip raconte une histoire, suffisamment précise pour se sentir concerné, mais suffisamment vague pour que chacun puisse y ajouter son interprétation. C’est là finalement la réussite de ce clip qui suggère sans dire, et qui nous ramène à notre propre imagination d’enfant, alors que tout est possible.

Les costumes

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Thriller – Michael Jackson

Cette semaine, un collègue m’a remontré le magnifique clip vidéo de la chanson Thriller, de Michael Jackson, et aujourd’hui j’avais envie d’en parler.

Pourquoi ce clip ?

Si la chanson Thriller est une des plus connues de Michael Jackson, c’est également ma favorite. J’aime l’ambiance construite autour de la musique qui raconte une histoire. Enfant, j’écoutais souvent l’album de Michael Jackson de ma maman, et il n’était pas rare que je relance plusieurs fois cette chanson.

Ma mère n’étant pas une fan de films d’horreur, je n’en ai que très peu vu dans ma jeunesse, et ils avaient donc toujours beaucoup d’impact. Cette chanson me donnait donc sûrement un petit rappel d’interdit et d’adrénaline … De plus, les sons de cette musique font pour moi appel aux sens et à l’imagination et sont presque visuels (si vous voyez ce que je veux dire).

Il m’a fallu plus de temps pour voir le clip (car internet n’était pas si répandu à mon époque), mais je dois reconnaître que c’est également un de mes favoris de Michael Jackson, notamment parce qu’il y a un véritable effort de développement d’un univers, qui correspond en plus à ce que j’imaginais de la musique.

Les costumes et autres …

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Her Morning Elegance – Oren Lavie

Aujourd’hui, j’avais envie d’ouvrir une nouvelle catégorie : les clips vidéos, avec le très beau clip de la chanson d’Oren Lavie : Her Morning Elegance.

Pourquoi ce clip ?

Pour ma part je ne connaissais pas Oren Lavie au préalable, et je suis tombée sur ce clip par hasard, mais j’ai pu écouter d’autres musiques depuis et son style me plait.

Parmi les points que j’ai bien aimés ici est le fait que cette chanson ne soit ni triste ni gaie, un simple constat mélancolique de la vie. Les paroles pourraient sembler quelque peu tristes, mais finalement je pense que c’est chacun l’interprétation que l’on peut en faire vis-à-vis de sa propre vie qui compte réellement.

Mais si j’ai finalement décidé de vous parler de ce clip, c’est pour son côté très poétique, et réalisé presque uniquement avec du tissu.

Une autre raison pour laquelle j’ai choisi ce clip est sa réalisation en stop motion. Il est particulièrement travaillé, avec une image impeccable et qui crée des univers à partir d’un décor unique et d’accessoires extrapolés de ce décor. L’imagination de l’équipe de tournage, mais également du spectateur jouent donc un rôle important dans la réussite de ce clip.

Les costumes et autres …

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Le café – Clip

Aujourd’hui, j’avais envie de changer et de parler d’un clip vidéo, celui de la chanson Le café, d’Oldelaf et Monsieur D, sur des images de l’EMCA (École des Métiers du Cinéma d’Animation).

L’histoire

Une chanson sur l’abus de café

Les costumes

Basée sur les paroles de la chanson qu’elle met en image, cette vidéo est à la fois efficace et divertissante.

Nous découvrons tout d’abord le personnage principal, fatigué et en pyjama, autour d’une tasse de café pour démarrer sa journée.

La nappe sur la table semble montrer un lieu propre et arrangé, tandis que son haut de pyjama s’accorde parfaitement à son environnement. La journée commence paisiblement.

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Prêt à partir, l’homme est interpelé par sa femme, en robe de chambre rose, à l’aspect duveteux. Le costume est clairement là pour insister sur le côté charmeur de la femme, et la non-envie de résister du mari.

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Notons que le décor est déjà passé en jaune, plus lumineux et moins calme que le vert du début.

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La couleur reste paisible, sobre et s’accorde avec la nouvelle tenue du mari, dans un manteau ocre, prêt à aller au travail avec sa sacoche assortie.

Malgré son délai, l’homme arrive tôt au travail, et a donc le temps de reprendre un café avant de commencer réellement sa journée.

Il est habillé de manière très classique dans une tenue de travail : pantalon noir et chaussures de ville, chemise blanche et cravate noire.

Au milieu de la matinée, ses cheveux sont un peu décoiffés, aussi dérangés que son bureau, mais tout rentre dans l’ordre au moment de la pause, lorsqu’il prend son 4e café de la journée.

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Sa secrétaire, qui arrive pour en lui proposer un autre “fort comme vous l’aimez”, a une tenue couleur café, marron foncé, comme si elle représentait la tentation du café en elle-même.

C’est à ce moment-là que le café commence à être montré comme une obligation sociale, un besoin de communication avec autrui.

Cela continue au restaurant où “Roger” se rend avec ses collègues.

Alors que les autres hommes sont dans des tenues noires, sobres et longues, allant avec leur démarche droite et simple, Roger montre des signes de stress et de trop-plein d’énergie dû à sa surconsommation de café.

Les collègues, tous similaires à lui au niveau de la chemise, insistent pour que Roger reprenne un café, continuant sa chute de cet homme dans une addiction au café.

Si la chanson est légère dans son ensemble et faite avec beaucoup d’humour, je ne peux m’empêcher d’imaginer un sous-entendu lié à la drogue, ou à l’alcool, avec leurs côtés sociaux forts, et qui peuvent changer les comportements des consommateurs radicalement. Je ne sais pas si la référence était intentionnelle, mais en tout cas l’analogie est facile à faire.

Sur cette scène, la vie de cet homme bascule, et il passe d’un père de famille sage, et qui travaille de manière sérieuse est calme, à un homme fou, hystérique et paranoïaque, qui tombe dans l’addiction du café. Petit à petit sa posture se transforme ainsi que son aspect extérieur. Au-delà des mimiques qu’il fait et qui contribue à son air fou, ses cheveux se décoiffent de plus en plus, au point de donner le sentiment que le docteur Jeckyll est devenu Mister Hide, et sa tenue se transforme aussi petit à petit. Sa chemise sort de son pantalon, celui-ci se déchire, et sa cravate se tord pour accentuer le côté tordu de sa nouvelle posture.

Arrivé au travail, son assistante l’accueille de manière un peu sèche, bien que partant d’un bon sentiment et il prend immédiatement cela comme une agression. C’est donc la première à mourir.

Notons au passage que le décor se dégrade petit à petit, commençant à laisser transparaître des taches de café.

Dans le métro, à la station “Arabica”, station couverte de tâches de café, et devant une affiche du groupe, une gentille dame demande à Roger s’il a l’heure. Elle est vêtue d’une tenue verte à fleur, rappelant le pyjama de cet homme et le décor de chez lui. Pour moi elle représente la gentillesse et la sécurité … et ne fera pas long feu.

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Rentré chez lui, nous pouvons voir que sa tenue semble de pire en pire et que le décor ne fait que s’empirer. Au centre de la cuisine, la cafetière l’appelle, démesurément grande.

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Roger est interpelé par son fils, un petit garçon principalement vêtu de vert, comme lui-même l’était le matin. Le garçon cherche à attirer l’attention de son père avec des bonnes nouvelles, en l’attrapant par la chemise. Ce qu’il est amusant de remarquer est que les trois interruptions de l’après-midi de Roger sont de plus en plus innocentes, et sa réaction de plus en plus démesurée.

Sa nouvelle addiction lui empêche tout rapport avec sa propre famille, comble de sa journée.

S’enfermant dans la cuisine, il dit y passer 14 jours, et on remarque derrière lui une perfusion de café, donnant étrangement à sa chemise un aspect médical.

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Pour terminer, la police cherche à interpeler Roger, double meurtrier sous l’emprise de cette “drogue” et c’est finalement des forces spéciales qui s’introduisent dans la cuisine, pour le découvrir gisant par terre.

Sa femme est présente, dans une tenue similaire à celle du début, mais plus terne, plus triste et son visage confirme cette impression.

Dans la cuisine, il ne reste de Roger que ses yeux et son costume : pantalon, chemise et cravate, ainsi qu’une tasse de café, sur un sol où les taches de café font également penser à des taches de sang.

Il n’y a plus de vert sur lui dans cette scène et sa chemise n’a plus rien de blanc.

Si je ne suis pas sûre que l’analogie à la drogue soit voulue, je trouve néanmoins ce clip (et cette chanson) au passage absolument réussi et je les recommande chaudement !

La parole est à vous :

  • Connaissiez-vous ce clip ou cette chanson ?
  • Pensez-vous que l’analogie aux addictions de manière globale est voulue ?
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