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Dentelle & Pellicule

Un blog sur tout ce qui a trait au costume

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Superbus – Tchi Cum Bah

Aujourd’hui, allons voir un vieux clip de mon adolescence avec le groupe Superbus, et la chanson Tchi Cum Bah qui date de 2002.

Pourquoi ce clip ?

Les albums du groupe Superbus font partie des premiers albums que j’ai acheté avec mon propre argent de poche en tant qu’adolescente. Il se trouve que j’ai toujours ces albums et je les écoute régulièrement. Je trouve que la musique de Superbus à quelque chose d’innocent et qui donne la pêche. En tout cas, elle me donne le sentiment d’être encore adolescente …

A l’époque, je regardais beaucoup de clips à la télévision, et j’avais tout de suite aimé l’univers de celui-ci, voyant le côté “ensemble on est plus fort” que présente le clip.

Avec du recul, et compte tenu des débats actuels, je trouve le clip un peu trop violent et exagéré pour le message … mais cela ne retire rien le côté très graphique et coloré qui m’avait plus à l’époque et qui correspond bien à la musique de Superbus.

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Les costumes et décors …

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On Top of the World – Imagine Dragons

Aujourd’hui, je reste dans les clips vidéos avec On Top of the World, une chanson du groupe Imagine Dragons.

Pourquoi ce clip ?

J’ai découvert Imagine Dragons avec la chanson Radioactive dans le film The Host. Depuis, j’entends cette musique partout et je suis rendu compte que je connaissais en fait un certain nombre de titres des artistes, juste que je n’avais pas fait le lien.

Je suis plus récemment tombé par hasard sur un de leurs clips et je dois reconnaître que si je ne les aime pas tous, ils font tous preuve de beaucoup d’originalité.

J’ai choisi le clip On Top of the World car il me semble que c’est une de leurs chansons les plus connues, mais également parce que c’était un des clips les plus riches en décors et costumes.

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Les costumes et décors …

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Papaoutai – Stromae

Aujourd’hui, et pour changer un peu des États-Unis, j’avais envie de parler du très beau clip de Stromae, Papoutai.

Pourquoi ce clip ?

J’aime écouter de la musique, et bien que mes radios préférées ne soient pas forcément celles qui passent Stromae, il y a peu de genre de musique que je n’aime pas. J’aime découvrir de nouveaux artistes, de nouveaux sons, et de bien sûr de nouveaux clips.

Stromae fait partie pour moi des quelques artistes français actuels qui arrivent encore à écrire de véritables textes dans leurs chansons et à communiquer un message à travers leurs musiques. Et c’est donc avec beaucoup de plaisir que j’écoute ses chansons, bien que je n’en connaisse pas tant que ça.

Ayant grandi plus ou moins sans père à la maison, cette chanson m’avait particulièrement touché dès la première écoute. Depuis, j’en ai entendu de multiples versions, et elle me plait d’autant plus. Je n’ai découvert que récemment le clip en lui-même, et je dois avouer qu’il m’a immédiatement plu et fasciné. Il est bien construit, à la fois fidèle à la chanson et il lui apporte en même temps une dimension supplémentaire, bien filmé et les costumes comme les décors y sont réfléchis.

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Que demander de plus ?

Les costumes et décors …

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Lady Marmelade – Christina Aguilera, Lil’ Kim, Mya, Pink

Cette semaine, je suis retombée par hasard sur le clip de la chanson Lady Marmelade, sortie en 2002 pour le film Moulin Rouge, interprétée par Christina Aguilera, Lil’ Kim, Mya et Pink et j’ai eu envie d’en parler.

Pourquoi ce clip ?

Moulin Rouge est un film qui a vraiment marqué mon adolescence et que je regarde régulièrement, toujours avec plaisir et beaucoup d’émotions. Mais si je compte bien parler du film (et de ses costumes bien sûr) dans un article à un moment donné, ici n’est pas le sujet. Mais la sortie du film s’était accompagnée à l’époque de ce clip très connu, sur une musique qui l’est encore plus, interprétée par quatre artistes qui ont chacune une grande présence scénique, à savoir Christina Aguilera, Lil’ Kim, Mya et Pink.

À l’époque, comme je regardais souvent les clips qui sortaient à la télévision, j’avais vu de très nombreuses fois ce clip. Plus tard, j’avais réalisé, notamment lors de voyages scolaires, l’influence de cette chanson à l’étranger, dont de nombreux pays connaissaient le refrain, tout en ne sachant pas ce qu’il voulait dire … (ils étaient d’ailleurs souvent surpris en l’apprenant …)

Mais au-delà du côté osé des paroles de la chanson, je trouve que le clip plonge bien dans un univers burlesque qui, s’il ne se situe pas à la même période que le film est n’est donc pas une copie, construit un univers cohérent avec le film.

Les costumes et autres …

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Master of the Tides – Lindsey Stirling

Cette semaine, j’ai eu l’occasion de replonger dans l’univers de l’artiste Lindsey Stirling, que j’aime beaucoup. Et je vous y emmène à travers la vidéo Master of The Tides.

Pourquoi ce clip ?

S’il existe des artistes faisant partie de mes favoris, Lindsey Sterling en fait clairement partie. Tout d’abord, elle fait du violon, un instrument qui m’a toujours fasciné. De plus, c’est une compositrice en plus d’être une violoniste, ce qui fait d’elle une musicienne hors pair. Mais ce qui prime par-dessus tout pour moi est d’abord qu’elle a un sens aiguisé du spectacle : toutes les prestations que j’ai pu la voir faire sont toujours innovantes, pleines d’imagination et rien n’est laissé au hasard.

Quant au choix du clip, je dois avouer que j’ai eu beaucoup de mal à me décider entre ses différents clips. Je pense d’ailleurs que je ferai d’autres articles sur elle par la suite. Si j’ai choisi celui-ci, qui n’est sans doute pas mon préféré ni le plus créatif en termes de costumes, c’est qu’il démontre bien la capacité de Lindsey Sterling à mettre en scène un spectacle. Ici, il s’agit d’un partenariat avec une marque d’enceintes portatives. La vidéo montre un spectacle de rue grandiose qui transporte le spectateur à travers les sept mers.

J’aime le fait qu’il s’agisse d’un spectacle complet : son, image, lumières, décors, costumes et la musique qui crée un lien entre tous les éléments et avec le public.

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Notons au passage que Lindsey Sterling est également une danseuse hors pair ce qui ajoute au dynamisme de ces prestations.

 

Les costumes et autres …

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Beauty and The Beast – Ariana Grande et John Legend

Aujourd’hui, j’ai eu envie de retourner dans les clips musicaux, avec la nouvelle version de Beauty and the Beast par Ariana Grande et John Legend, enregistrée pour la promotion du film de Bill Condon.

Pourquoi ce clip ?

Vous le savez si vous lisez ce blog, la Belle et la Bête a toujours été mon dessin animé Disney préféré. Lorsque le film en live action est sorti, il était donc impensable que je ne le voie pas. Mais évidemment, je ne me suis pas arrêtée là puisque plusieurs mois avant sa sortie je regardais toutes les bandes-annonces, les articles sur le film et les publications destinées à sa promotion.

C’est donc dans cet état d’esprit que j’ai vu le nouveau clip Beauty and The Beast, réenregistré pour l’occasion par John Legend et Ariana Grande et réalisé par Dave Meyers.

Je ne regarde pas (ou plus) énormément de clips vidéos d’une manière générale, mais les clips des chansons Disney sont souvent suffisamment mis en avant que l’on puisse les avoir vus sans les chercher spécialement. Et d’une manière générale, ils se ressemblent tous :

  • un chanteur connu (plus ou moins) qui prête sa voix à la chanson, parfois deux
  • un décor qui a des points communs avec l’univers du film ou du dessin animé
  • des extraits du film ou du dessin animé

Somme toute une mise en place assez simple, sans trop de fioritures qui vont finalement être amenées par les images du film en lui-même. C’est le cas pour l’ancienne version de Beauty and the Beast (du dessin animé), mais également pour le clip de Vaiana, de la Reine des Neiges ou encore de la Princesse et la Grenouille, et même celui du film Cendrillon.

Mais ici le clip m’a agréablement surpris. En effet, une véritable mise en scène et réflexion sur les symboles du film a été mise en place dans ce clip, le considérant non pas simplement comme un parallèle, mais comme une “oeuvre” courte à part entière. Et cela qui fait pour moi la richesse de ce clip.

En revanche, si je trouve que le fait qu’il y ait un travail artistique plus poussé sur la réalisation du clip, j’ai également été déçue par d’autres points de cette même réalisation.

 

Les costumes et autres …

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Disney Villains Medley – Whitney Avalon & Peter Hollens

Il y a quelques jours, Peter Hollens, un artiste YouTube, a sorti un duo avec Whitney Avalon qui reprend les chansons de méchants Disney.

Pourquoi ce clip ?

J’ai découvert Peter Hollens il y a presque deux ans maintenant en cherchant des artistes accapella sur internet. Il a une très belle voix et un talent exceptionnel pour créer des arrangements de voix qui simulent des instruments. Il fait de nombreux duos avec des artistes qui font de la musique, accapella ou non, et son dernier duo en date est donc ce medley de chansons Disney. Évidemment, la combinaison d’un de mes artistes favoris avec du Disney ne pouvait que me donner envie de regarder la vidéo.

Et si bien sûr j’ai d’abord été séduite par les arrangements musicaux, j’ai décidé d’en parler aujourd’hui, car je trouve qu’il y a un véritable effort de la part des deux artistes de créer une scénographie qui nous plonge immédiatement dans l’univers.

Les costumes et autres …

Le clip commence par un exposition de tous les personnages présents dans un cadre à huit fenêtres, avec le titre au centre. Au fur et à mesure du clip, les ambiances vont changer, comme pour le passage avec mère Gothel, la maman adoptive de Raiponce. C’est alors une scénographie globale qui est conçue ici où les personnages sont en accord, créant une ambiance.

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Cette disposition en ensemble, où tous les personnages sont visibles, donne envie de deviner quels seront les vilains représentés ici. Certains sont évidents, comme Gaston, ou Facilier, mais d’autres m’apparaissaient plus obscurs au début. Et cela pour une simple et bonne raison : les costumes ne sont pas des répliques officielles, ou des cosplays des personnages des dessins animés, mais plutôt des adaptations en vêtements des personnages. Certains ont donc été interprétés avec plus de libertés que les autres.

Mais reprenons au début, avec les personnages un à un.

Tout d’abord, la vidéo s’ouvre avec Ursula, la sorcière des mères. Bien que le costume ne soit pas parfaitement ressemblant, le personnage est assez reconnaissable. Principalement, deux indices suffisent : une robe bustier noire, assez caractéristique du personnage, bien que beaucoup moins échancré ici, et la présence de la couleur violet qui elle aussi caractérise le personnage. Pour les détails supplémentaires :

  • les gants permettent de mettre en valeur les mains, puisqu’il n’est évidemment ici pas question de tentacules et attirent donc l’attention sur le “langage du corps” comme l’appelle si bien la sorcière.
  • et la définition d’un bassin qui s’élargit, bien que la chanteuse n’ait évidemment pas la corpulence de la sorcière.
  • les lèvres rouge vif, qui font donc ressortir le côté très féminin. On se rappellera évidemment qu’Ursula mer du rouge à lèvres des mers à l’arrivée de la petite sirène dans son antre.

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Puis nous passons au personnage suivant, Scar.

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Ici, par étonnant que le personnage soit un peu plus dur à reconnaître, puisque l’original est un animal.

Néanmoins, je dois reconnaître que le “costume” est ici assez réussi :

  • une cicatrice sur l’oeil, pour le trait physique qui a donné son nom au personnage, bien qu’ici elle soit à mon goût trop discrète,
  • de la fourrure foncée autour du cou, qui représente ici la crinière
  • une griffe en collier, pour le côté africain, mais également pour représenter les griffes du lion
  • des vêtements couleur terre, qui sont des couleurs du personnage original

Pour cette chanson, Ursula rejoint Scar dans son décor, ce qui est amusant considérant que ce sont ici les deux méchants non humains du tableau.

Puis vient le tour de Claude Frollo, le prêtre du bossu de Notre-Dame. La tenue ici est plus libre, les détails moins respectés, car le tout est misé sur la silhouette du personnage.

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Les chanteurs ont visiblement choisi de rester sur du vêtement de tous les jours, et d’éviter la tenue de prêtre avec le col romain, qui aurait été plus fidèle, mais moins ordinaire. Peter Hollens porte donc un costume noir, qui ressort sur le rouge du fond, avec une chemise blanche. Et c’est finalement surtout les manches blanches qui vont ici faire ressortir ses mains, ses gestes et par la suite le foulard qu’il tient.

De la même manière, le chapeau n’est pas très adapté au personnage, néanmoins il permet d’assombrir le visage du prêtre. Notons au passage que le chapeau est retiré dans le courant de la chanson, comme la démarche que les hommes ont en rentrant dans une église, et qu’il sera volé par son voisin.

Pour finir, la cravate violette, sous une croix imposante, semble représenter la passion cachée pour Esmeralda, ce qui se vérifie lorsqu’il sort le foulard violet. Le violet est également une couleur de deuil dans la religion catholique. Le foulard est léger et ressort clairement sur l’aspect très rigide du personnage. Il est également plus clair que la cravate, qui semble s’assombrir.

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Puis nous changeons de contexte avec l’apparition de deux personnages : Gaston et LeFou. C’est le milieu du medley est le mélange de ces deux personnages donne ici un équilibre à la vidéo.

LeFou n’est pas à proprement parler un méchant, mais il est l’acolyte de Gaston et complote finalement avec lui.

C’est la seule scène qui ne se passe pas en intérieur, et ici le tournage est plus vivant, avec plus de mouvement dans un charmant petit village.

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Dans cette chanson, il sert avant tout de faire valoir. Ici, la tenue a été féminisée, mais est restée assez fidèle :

  • la chemise blanche, j’aime le détail que la chemise soit mal rangée dans le pantalon
  • le gilet rouge bien que beaucoup plus court, il semble ici un peu petit, comme dans le dessin animé
  • la veste marron, bien qu’ici il ne s’agisse pas d’une queue de pie
  • le pantalon a été transformé en jupe, mais la couleur est assez juste
  • et la cravate autour du cou

Quant à Gaston, il est ici plus simple : un pantalon noir, une ceinture (en cuir bien sûr) marron, et un polo rouge et jaune. Bien que la tenue ne soit pas parfaitement fidèle, il est pour autant immédiatement reconnaissable. Ici, j’aime l’ajout du jaune sur le col, qui est une adaptation des gallons de la veste originale.

Il est amusant en revanche de remarquer que le côté sophistiqué des personnages est inversé ici par rapport au dessin animé : et Gaston ressort ici comme plus brouillon que son acolyte.

Puis vient le tour de mère Gothel. Après le monde extérieur de Gaston, l’obscurité de cette nouvelle scène est quelque peu étouffante.

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La mise en scène reprend l’idée du dessin animé d’utiliser les bougies pour créer une ambiance effrayante.

Ici aussi, le costume est assez transformé, mais l’idée principale du personnage est présente.

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La couleur de mère Gothel est le rouge bordeaux, comme la robe ici. Se cheveux sont lâchés, bien que normalement plus frisés, et il a été ici ajouté un collier assez imposant. Si je ne pense pas qu’un motif de feuilles soit le choix idéal, je dois reconnaître que le côté représente bien la vanité du personnage.

La robe est assez montante, comme l’original.

Nous continuons ensuite en passant au personnage suivant, le docteur Facilier.

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C’est également un des personnages les plus reconnaissables ici, alors que le costume a été grandement modifié : le chapeau haut de forme s’est transformé en un chapeau plus moderne, la queue de pie violette est devenue une veste rouge, non doublée de noir et le t-shirt a clairement grandit, pour couvrir beaucoup plus de peau. Néanmoins, il y a un ressenti global du personnage qui reste visible :

  • le mélange des couleurs est réussit, le rouge et violet, bien que moins vif que l’original, restent fidèles à l’extravagance du personnage
  • le collier avec la dent unique rappelle le collier vaudou du docteur
  • le pantalon semble commencer par une ceinture rouge, bien que nous n’en voyions ici pas plus
  • et le chapeau, rouge et noir, porte une tête de mort, certes plus discrète, mais très représentative.

Je regrette simplement pour ma part le manque d’une belle plume violette au chapeau, qui aurait ajouté une touche supplémentaire de précision ici.

Pour terminer, le dernier personnage est donc Jafar. C’est pour moins le personnage le moins bien représenté ici, et c’est également le plus transformé.

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Pour moi, seules les couleurs du costume sont respectées ici, avec le mélangé tranché du rouge et du noir. On peut noter la présence d’une ceinture à la taille, qui aurait pu être rouge, ainsi que d’un foulard autour du cou, destiné visiblement créer le col en V du costume original, mais la couleur n’étant pas juste, l’identification est plus complexe. Pour ma part, je ne comprends pas la présence du collier en cercle autour de son cou.

En revanche, j’apprécie le détail de la broche en forme d’oiseau pour rappeler Iago.

Comme pour d’autres personnages avant, Jafar est rejoint par Facilier pour former un duo sur cette fin de vidéo. On notera ici que ce sont deux des personnages qui utilisent des objets magiques pour agir sur d’autres personnages.

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Pour conclure, bien que certains costumes auraient pu aller plus loin, je trouve que les deux chanteurs ont fait un très beau travail au niveau des tenues des personnages pour rendre reconnaissable et en même temps moderniser les méchants Disney.

Regardez le clip ici

Pour aller plus loin

Découvrez les pages YouTube des artistes :

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La parole est à vous :

  • Connaissiez-vous ces artistes ?
  • Aviez-vous vu cette vidéo ?
  • Que pensez-vous des “costumes” de cette vidéo ?
  • Avez-vous d’autres liens à donner concernant cet article ?
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Harder Better Faster Stronger – Daft Punk

Aujourd’hui, je vous emmène dans l’espace avec le clip animé de Daft Punk, Harder Better Faster Stronger, de la série Interstella 5555.

Pourquoi ce clip ?

Ce morceau de Daft Punk me rappelle mes années de lycée. Si je ne suis pas forcément fan de musique électronique d’une manière générale, j’avais immédiatement accroché à cette “chanson” du groupe.

Le clip, créatif et bien réalisé avait fini de me convaincre et je connaissais à l’époque la chanson par coeur. Bien sûr, à l’époque, je ne comprenais pas les paroles ou tellement peu …

Quelques années plus tard, j’ai découvert que Daft Punk n’était pas un groupe de quatre personnes sur scènes, comme dans les clips de cet album, mais je m’en suis remis depuis et j’ai pu voir l’intégralité des vidéos d’Interstella 5555.

Pour moi, la musique doit raconter une histoire et si ici les paroles racontent quelque chose, l’ensemble de l’album a été illustré de manière à raconter autre chose. L’histoire de ces stars interstellaires, kidnappées par un homme pour les faire devenir des stars sur scène est particulièrement créative et amusante. Je conseille donc la vidéo intégrale, mais pour ma part, je me concentrerai uniquement sur ce clip aujourd’hui.

 

Les costumes et accessoires

Le clip se situe au milieu de l’histoire d’Interstella et consiste en l’étape de transformation des personnages d’extraterrestres à humains. Bien que ce ne soit pas le passage avec le plus de costumes, je trouve que cette transformation est particulièrement intéressante.

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La première étape du clip consiste ici à retirer les costumes aux personnages. Notons qu’au début et dans les clips précédents, ils sont tous similaires : la même couleur de peau, des costumes différents, mais basés sur les mêmes couleurs et motifs, et les mêmes diadèmes sur la tête. Le groupe est uni par leur aspect extérieur. Seuls leurs cheveux sont différents, ainsi que leurs silhouettes.

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Une fois les costumes retirés, nous retrouvons le groupe très pudiquement en sous-vêtements (oui c’est un clip tout public tout de même) et prêts à être transformés.

La première étape de la transformation est leurs esprits. Ils s’agit de transformer leurs souvenirs pour qu’ils ne s’aperçoivent pas du changement. Ici, on est complètement dans la science-fiction est c’est très intéressant. Nous pouvons d’ailleurs voir que les souvenirs ne sont que transformés et non pas effacés ou recréés. Nous notons déjà au passage que les scènes, qui montrent des enfants changent totalement de couleurs. Bien entendu les personnages ne sont plus bleus, mais également les vêtements qu’ils portent ne sont plus tous de la même couleur, comme si la transformation en humains ajoutait de la diversité.

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C’est également le cas directement au sein du groupe, où un des personnages devient de couleur noire, alors qu’ils étaient avant parfaitement de la même couleur.

Une fois leurs corps “repeints”, il s’agit à présent d’habiller les stars. Ici, la recherche de vêtements est assez amusante, car au fur et à mesure que l’on voir les silhouettes défiler avec différents types de vêtements, il est possible de s’apercevoir que les tenues sont assez typiques de groupes de musique. Nous avons les rappeurs, les rocks stars, les tenues plus “kawaï” et dans tous les cas, les tenues sont clichées. Je pense que le but était ici de montrer subtilement que le “producteur” cherche le succès et se base sur l’existant pour réussir.

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Passons un rapide coup d’oeil sur la machine à habiller, qui est d’une efficacité redoutable. Ici, la scène montre le côté pantin du groupe qui n’est donc pas responsable de ses actions à ce moment-là. Les personnages sont habillés comme on appliquerait de la peinture à une poupée. C’est un clin d’oeil sur le côté manufacturé du groupe par le fameux producteur.

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Bien évidemment nous pouvons voir le résultat des styles des différents personnages. Notons que les musiciens sont très diversifiés ici autant donc par leurs couleurs de peau que par leurs styles de tenues. C’est flagrant ci sur cette image où l’un fait très sportif tandis que l’autre a un côté plus élégant et habillé.

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La dernière étape est l’ajout de lunette qui ont ici le but de contrôler leurs esprits, mais qui sont à mon avis également un clin d’oeil au côté très “star” de quelqu’un qui porte des lunettes. Le fait de ne pas voir les yeux de quelqu’un crée de la distance. Ici, cela les rend en quelque sorte inaccessibles.

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Nous assistons ensuite à la phase finale de la transformation, qui consiste à modifier leur clip vidéo pour pouvoir vendre les stars d’un point de vue commercial. Ici encore, nous pouvons noter la diversité créée au moment de la transformation qui retire l’unité initiale des personnages.

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Pour finir, nous découvrons le “méchant” de cette histoire très brièvement. Il est visiblement âgé, et vêtu de noir, en costume. Sa position et son apparition le définissent clairement comme un personnage “méchant”.

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Regardez le clip ici

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Run Boy Run – Woodkid

Aujourd’hui, j’avais envie de découvrir avec vous un clip du chanteur Woodkid (aka Yoann Lemoine), Run Boy Run.

Pourquoi ce clip ?

J’aime beaucoup me laisser emporter par les suggestions YouTube pour découvrir de nouvelles choses, de nouveaux artistes et des vidéos que je n’aurais pas été chercher de moi-même. C’est de cette manière que je suis tombée sur cette vidéo, et cet artiste.

Ce qui m’a immédiatement plu ici est évidemment l’aspect visuel du clip, travaillé en noir et blanc, principalement de profil, avec des costumes et des décors qui appellent à l’imagination.

Le texte de la chanson semble également en accord avec les images et soutiens le discours du clip.

Je trouve que l’ensemble du clip raconte une histoire, suffisamment précise pour se sentir concerné, mais suffisamment vague pour que chacun puisse y ajouter son interprétation. C’est là finalement la réussite de ce clip qui suggère sans dire, et qui nous ramène à notre propre imagination d’enfant, alors que tout est possible.

Les costumes

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